El Museo Guggenheim Bilbao, abrió sus puertas el día 18 de Octubre de 1997, en un emblemático edificio diseñado por Frank Gehry, la inauguración congregó en la pinacoteca vasca durante varios días, a artistas, políticos, empresarios, y representantes del mundo de la cultura, del más alto nivel.
Se inauguró con la exposición “Los Museos Guggenheim y el arte de este siglo” , en la muestra formada por una magnífica selección de más de doscientas cincuenta obras del arte del siglo XX ,procedentes de los fondos de la Solomon R. Guggenheim Foundation de Nueva York y de la Peggy Guggenheim Collection de Venecia, con obras realizadas por los principales representantes del cubismo, futurismo, constructivismo, expresionismo alemán y surrealismo, se dejaba constancia del modo en que estos movimientos rompieron con los cánones artísticos tradicionales aún vigentes en el siglo XIX, creando las bases para un nuevo lenguaje artístico desarrollado a lo largo del siglo XX.
Algunos de los artistas más importantes de principios de ese siglo estuvieron en la exposición, Georges Braque, Constantin Brancusi, Marc Chagall, Fernand Léger, Vasily Kandinsky, Paul Klee, Kazimir Malevich, Henri Matisse, Amedeo Modigliani, Joan Miró, Piet Mondrian, Pablo Picasso y Gino Severini.
El origen de los Museos Guggenheim, actualmente con sede en Nueva York, Venecia, Berlín, y Bilbao, es la colección de la Solomon R. Guggenheim Foundation que fue creada a finales de 1920 por el industrial estadounidense Solomon R. Guggenheim y su asesora artística, la baronesa alemana Hilla Rebay. En un principio las adquisiciones se circunscribieron al arte abstracto, posteriormente, fue ampliándose y a través de nuevas compras y donaciones, la primitiva colección formada fundamentalmente por pinturas de Kandinsky, fue cambiando su inicial criterio artístico hasta configurar la colección actual, que cuenta con unas siete mil obras de arte del siglo XX de distintos artistas y tendencias.
La colección creada por el Museo Guggenheim Bilbao consta de ciento cuarenta y cinco obras, de ochenta y un artistas, de las cuales treinta y nueve son de creadores vascos, y complementa los fondos de la prestigiosa fundación neoyorquina, en la exposición permanente se encuentran las obras de algunos de los artistas más representativos del arte de la segunda mitad del siglo XX, como Eduardo Chillida, Anselm Kiefer, Willem de Kooning, Robert Motherwell, Mark Rothko, Antoni Tàpies, Joseph Beuys, Ives Klein y Vasily Kandinsky.
En el Guggenheim Bilbao, algunas salas acogen obras de la colección, realizadas expresamente para esos espacios por artistas contemporáneos europeos y estadounidenses, como Francesco Clemente, Jenny Holzer, Sol LeWitt y Richard Serra.
En estos veinticinco años, la actividad de la institución vasca ha sido intensa, se han celebrado doscientas quince exposiciones temporales, además de presentaciones de la Colección Permanente, lo que ha permitido ver en sus salas más de dieciocho mil obras de arte, alrededor de unas treinta y siete exposiciones temporales han superado la cifra de medio millón de visitantes. En un recorrido por las exposiciones que a lo largo de estos cinco lustros han habitado en las salas del Museo, cabe destacar algunas en orden cronológico:
En 1998 “China 5000 años” mostró cinco mil piezas descubiertas hace menos de cien años, que por vez primera salieron de China, en una magnifica puesta en escena pudieron admirarse los guerreros de terracota de impresionante presencia y enigmática procedencia.
En 1999 Chillida fue el invitado de honor, el propio artista, fallecido tres años después, acudió a la inauguración, sus esculturas y sus gravitaciones llenaron de luz los espacios del Museo que acogía con orgullo al artista vasco, uno de los mayores exponentes de la escultura del siglo XX. La belleza etérea de “lo profundo es el aire” se quedó en el Guggenheim definitivamente.
En 2000 “Amazonas de la vanguardia” puso de manifiesto el decisivo papel que las artistas Alexandra Exter, Natalia Goncharova, Liubov Popova, Olga Rozanova, Varvara Stepanova y Nadezhda Udaltsova desempeñaron en el arte ruso de vanguardia, respetando el carácter propio e independiente de la trayectoria creativa de cada una de ellas, la exposición explicaba la evolución del arte ruso moderno, desde el neoprimitivismo, el cubofuturismo y el rayonismo hasta el suprematismo y el constructivismo.
En 2001 “Los mundos de Nam June Paik”, transformó el Guggenheim Bilbao para ensalzar la figura en movimiento y su influencia en el arte del siglo XX, mediante instalaciones, vídeos, emisiones globales de televisión, películas y performances, este artista consiguió modificar nuestra percepción de la imagen temporal en el arte contemporáneo.
En 2002 “Paris, capital de las artes, 1900 – 1968”. Durante la mayor parte del siglo XIX y casi todo el XX, el titulo que ostentaba París como “capital de las artes” era indiscutible, la belleza de la ciudad, su atmósfera romántica, su historia cultural, su política liberal, la convirtieron en imán para artistas de todo el mundo, Pablo Picasso, Robert Delaunay, Marcel Duchamp, Fernand Léger, Constantin Brancusi, Jean Dubuffet, Yves Klein, entre otros muchos, protagonizaron la muestra.
En 2003 “Calder” llegó con sus atrayentes esculturas móviles, el propio artista lo expresó en estas palabras: «¿Por qué el arte debe ser estático? Al mirar una obra abstracta, ya sea una escultura o una pintura, vemos un conjunto excitante de planos, esferas, núcleos, sin significado alguno. Sería perfecta, pero siempre es inmóvil. El siguiente paso en la escultura es el movimiento»
En 2004 “Oteiza: mito y modernidad” fue la más amplia retrospectiva dedicada a este artista, constante experimentador de técnicas escultóricas, que partiendo de las vanguardias del siglo XX llega a dominar el vacío. “Variante ovoide de la desocupación de la esfera” es una de sus obras testimonio de sus logros en la abstracción geométrica, que se encuentra colocada frente al Ayuntamiento de Bilbao.
En 2005 “Imperio azteca” reflejó la etapa del siglo XIII al XVI conocida como posclásico tardío, reunió una gran cantidad de objetos artísticos, elaborados por los diversos pueblos que convivieron en aquella época. El lenguaje artístico azteca sirvió para comunicar historias, adorar a sus deidades y llevar a cabo ritos producto de mitos y tradiciones. Esta muestra fue una representación de la sociedad azteca desde sus orígenes hasta la culminación y el ocaso de su imperio.
En 2006 “Rusia “fue la mayor exposición de arte procedente de la Federación Rusa nunca antes mostrado. Las obras maestras del arte ruso desde el siglo XIV hasta el siglo XX se agruparon por primera vez, desde las imágenes sagradas llamadas iconos, hasta las obras de los pioneros de la vanguardia rusa representada por artistas como Natalia Goncharova, Mijail Larionov, Kazimir Malevich.
En 2007 “Anselm Kiefer”, se ofreció una exposición antológica del artista alemán coincidiendo con el décimo aniversario del Museo. Kiefer constantemente cuestiona en sus obras el lugar que ocupa el ser humano dentro del cosmos, en una selección de sus piezas más simbólicas el Guggenheim dispuso un espacio considerable para colocar la fascinante obra, “Las célebres ordenes de la noche”, donde permanece formando parte de la colección del Museo, en esta obra el propio artista se retrata a si mismo tumbado sobre la tierra, bajo un bellísimo firmamento cuajado de estrellas.
En 2008, “Cy Twombly”. La literatura clásica y la historia ejercían una influencia importante en el lenguaje y la creación de este artista, la obra en torno a la que se desarrolló la exposición, “ Nueve discursos sobre Cómodo” es una serie de nueve lienzos que no se pueden separar, fue la primera serie concebida como una unidad por su autor. La historia y la crueldad se mezclan en los lienzos. El Guggenheim Bilbao la adquirió para su colección.
En 2009 con “Cai Guo Qiang: quiero creer” los espectadores se sorprendieron con esta retrospectiva del inclasificable creador chino, que se inspira en teorías y tecnologías, la mitología antigua, la historia militar, la cosmología taoísta, los avistamientos de extraterrestres, las tácticas revolucionarias maoístas, la filosofía budista, la pirotécnica. La representación se proyectó en cuatro escenarios, dibujos realizados con pólvora, instalaciones, proyectos de explosiones, y proyectos sociales.
En 2010 “Anish Kapoor”, la obra “El gran árbol y el ojo” fue instalada en uno de los estanques del Museo como parte de la exposición del artista indio, pero el Guggenheim Bilbao decidió comprarla e incorporarla a su colección permanente, compuesta por ochenta esferas de acero inoxidable, colocadas en un equilibrio sorprendente, e instaladas sobre tres ejes, la escultura genera un juego de reflejos donde la compleja utilización de la luz y las sombras, del volumen y del espacio, hacen pensar en la irrealidad de lo visible, aunque es una escultura de grandes dimensiones y cuya estructura es compleja, aparenta ser un objeto ingrávido y delicado. El reflejo del edificio y el tránsito de la gente provocan bailarinas efigies por las redondeadas superficies pulidas, que evocan la naturaleza fugaz de la apariencia de las cosas.
En 2011 “Brancusi / Serra”, Richard Serra, autor de “La materia del tiempo” que es otra de las obras emblemáticas de la colección permanente del Museo y única en el mundo, junto con Constantin Brancusi, llegaron al Guggenheim con una selección de aproximadamente treinta esculturas de cada uno de ellos, mostradas en grupos temáticos, se pretendía explorar en el efecto producido por los diferentes materiales que emplean, el mármol, la madera, el cemento, el yeso o el bronce en el caso de Brancusi, el acero, el caucho, el plomo o los tubos de neón en el de Serra. La presentación se realizó en parte de forma yuxtapuesta, y también dedicando espacios individuales a cada uno de ellos, para descubrir así sus similitudes y diferencias.
En 2012 “David Hockney”, el artista británico vistió las paredes del museo con sus apasionados paisajes inspirados en Yorkshire, condado en el que nació, casi doscientas obras, óleos, carboncillos, dibujos realizados con iPad, cuadernos de bocetos y vídeos digitales compusieron la muestra. La exposición proyectó una visión única del universo creativo de Hockney, tanto su gran capacidad para representar la naturaleza a través de diferentes técnicas, como su relación emocional con el paisaje de su juventud quedaron patentes, para deleite del público.
En 2013 “El arte en guerra. Francia 1938-1947: de Picasso a Dubuffet». Fue un recorrido por la producción artística en Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la ocupación nazi, época en la que los creadores se rebelaron contra la represión y la escasez de medios para desarrollar su trabajo, a través de quinientas obras de más de cien artistas, entre los que estaban Pablo Picasso, Henri Matisse, Pierre Bonnard, Marc Chagall, Vasily Kandinsky, Jean Fautrier, Alberto Giacometti, Marcel Duchamp, Georges Braque, Jean Dubuffet, se demostró que a pesar de las circunstancias, el arte prevaleció sobre la barbarie.
En este mismo año, el Guggenheim Bilbao albergó una exposición dedicada a Antoni Tápies que analizaba en profundidad, siguiendo un criterio cronológico, durante cuarenta años de producción, la obra del artista, pintor, escultor, y teórico, uno de los principales exponentes del informalismo. Fue un emotivo homenaje al artista catalán, fallecido un año antes.
En 2014 “Braque / Ono”. Con más de seiscientos mil espectadores de estas dos exposiciones, hicieron que ese año se llegara al millón de visitantes. “Yoko Ono. Half-A-Wind Show” mostró unas doscientas obras, dibujo, poesía, cine, música, instalaciones de video y performances, realizadas desde mediados de los años cincuenta hasta la primera década de los años dos mil. La exposición dedicada a George Braque abarcaba todas las etapas de su trayectoria artística, desde sus inicios en el fauvismo hasta sus últimas series dedicadas a los talleres, los pájaros y los paisajes de Varengeville.
En 2015 “Jeff Koons”, el autor de Puppy, el entrañable perro de flores que se ubica delante de la entrada al Museo, ha desarrollado un trabajo singular, inconfundible e innovador, que le convierte en una de las grandes figuras del arte de nuestro tiempo, influenciado por el Surrealismo, el Pop Art y el Dadaísmo, Koons posee un estilo único, en sus piezas conviven en armonía conceptos en principio antagónicos. Su obra es un espejo de su propia personalidad, utiliza el arte como revulsivo, como motor para el cambio social.
En 2016 “Louise Bourgeois” creadora de “Mummy” (Mamá), la araña de casi nueve metros de altura situada en la parte posterior del Guggenheim, es una de las esculturas más ambiciosas de Bourgeois y pertenece a una serie inspirada en los arácnidos, como un homenaje a su madre que era tejedora, pone de manifiesto la duplicidad de la naturaleza, la madre es protectora y depredadora al mismo tiempo. La araña utiliza la seda tanto para fabricar el capullo como para cazar a su presa, esta ambigüedad se ve intensamente plasmada en el enorme insecto que se sostiene sobre unas patas semejantes a arcos góticos, que son al mismo tiempo jaula y guarida protectora de una bolsa llena de huevos adheridos a su abdomen. La artista convierte esta singular figura en una metáfora de nuestra existencia. En la muestra, en las salas del Museo, se pudieron contemplar junto con sus originales formas escultóricas, sus magníficos dibujos y su personal obra gráfica.
En 2017, con “Viola / Baselitz” en el vigésimo aniversario, el Guggenheim desarrolló una ambiciosa programación, desde los protagonistas de las vanguardias de fin del siglo XX hasta los máximos exponentes del expresionismo abstracto americano, pasando por figuras clave del arte moderno y contemporáneo, como el estadounidense Bill Viola y el alemán Georg Baselitz.. Viola, pionero en el empleo del vídeo y en la exploración de la imagen en movimiento, investiga de manera figurativa y literal las etapas de la vida, la muerte y el renacimiento, recurriendo a elementos primarios, como el fuego y el agua. Sus instalaciones, algunas monumentales y sofisticadas tecnológicamente, están vinculadas a la historia del arte, y abordan conceptos como la percepción o la espiritualidad. De Baselitz, provocador impenitente, se pudo ver la impactante serie de “Los Héroes”, figuras aterradoras, de seres atormentados, imperfectos y vulnerables, al modo de una deconstrucción surrealista, feroz denuncia del horror de la guerra y precursoras de sus pinturas volcadas.
En 2018 “Colección Thannhauser”. El marchante alemán de arte, Justin R. Thannhauser, consiguió una magnifica colección con obras de grandes artistas, arriesgándose a apostar en su momento por los nuevos estilos que llegaban a finales del siglo XIX y principios del XX, el modernismo de Edouard Manet, el impresionismo de Paul Cezanne y Claude Monet, el apasionado postimpresionismo de vibrantes colores de Vincent Van Gogh, y también por rompedores del arte académico como Pablo Picasso.
En 2019 “Giorgio Morandi” en la muestra “una mirada atrás” se analizó el papel que desempeñó la pintura de los Maestros Antiguos en la producción del artista italiano, uno de los pintores de naturalezas muertas más innovadores del siglo XX, la teatralidad del Siglo de Oro español, el naturalismo del Seicento italiano y la intimidad que Chardin imprimió al mundo de los objetos cotidianos, se encuentran en las enigmáticas composiciones que realiza Morandi de botellas, floreros y cajas, logrando una aparente sencillez y una delicada impresión de inmaterialidad.
En 2020, Kandinsky y Krasner. La historia de Vasily Kandinsky está íntimamente vinculada a la de la Solomon R. Guggenheim Foundation de Nueva York, su fundador, el industrial Solomon R. Guggenheim comenzó a coleccionar obra de Kandinsky en 1929, cuando conoció al artista que era entonces profesor en la Bauhaus de Dessau, escuela de arte y diseño con la que compartía su convicción de que el arte es capaz de transformar al ser humano y a la sociedad. En las obras de Kandinsky el color y la composición sustentados en formas geométricas, crean un lenguaje universal que transmite una utopía visual y sensual.
Lee Krasner comenzó su trayectoria artística en la adolescencia, fue la primera en dotar a su obra de un estilo absolutamente abstracto, lo que la convirtió en un referente del expresionismo abstracto americano. Trabajaba en ciclos de obras, buscando incansablemente nuevos medios para alcanzar una expresión auténtica, fundamentalmente en su estudio y durante cincuenta años.
En 2021, “Alice Neel las personas primero”. El titulo de la exposición define a una de las artistas más radicales del siglo XX, defensora de la justicia social, del humanismo y de la dignidad de las personas. Sus obras reflejan el espíritu de una época en Nueva York, centrándose en quienes habían experimentado la injusticia, así como en aquellos que la combatían. El arte le permitió hacer una declaración de principios pintando a personas de muy diferentes orígenes y condiciones sociales.
En 2022, “Del fauvismo al surrealismo, obras maestras del Musée d’Art Moderne de Paris”. Desde principios del siglo XX hasta después de la segunda guerra mundial, se desarrollaron movimientos artísticos fundamentales en la historia del Arte, como el fauvismo, el cubismo, y el surrealismo, que cambiaron la forma de ver y de interpretar el paisaje, la naturaleza, y la figura humana, en el intervalo de las dos grandes contiendas mundiales, artistas de distintos países confluyeron en la capital francesa y crearon la Escuela de Paris, en ese mismo periodo, en 1924, el poeta André Bretón funda y lidera el Surrealismo. En la exposición estuvieron los artistas más relevantes de la época y más representativos de estos estilos, entre otros: Derain, Delauny, Matisse, (fauvismo) Braque, Picasso (cubismo), Ray, Chirico, Picabia (surrealismo).
Junto con la pintura y la escultura, se ha obsequiado al público con otras propuestas estéticas, como la moda, que contó con Armani el mago de los diseños en tela, las motos, donde estuvo presente Dennis Hopper, recordando por su aspecto al inquietante personaje de su mítica película “Easy rider”, y Jeremy Irons que se vistió de cuero negro para la ocasión, los automóviles pertenecientes a Norman Foster, el otro artífice junto con Frank Ghery de la modernidad de la urbe de Bilbao, en la espectacular colección del arquitecto británico, sobresalían, el primer coche de la historia, un “escarabajo” de 1886, el Aston Martin de algunas de las películas de la serie de James Bond, y el Fórmula 1 de Hamilton, siete veces campeón del mundo.
El impacto económico del Museo ha rebasado todas las expectativas, asimismo ha proporcionado un aumento considerable en la tasa de empleo con puestos fijos y de calidad, por último no hay que olvidar la función didáctica que ha llevado a cabo con colegios y centros educativos. Por todo esto, por su relevancia para la ciudad en que se ubica y por su aportación al Arte y la cultura universales, es de justicia, en este veinticinco aniversario, dedicarle dos palabras al Museo Guggenheim Bilbao, ¡Felicidades y gracias!.
Julia María Carvajal
Julia María Carvajal. Es escritora, periodista, editora, crítico de Arte, organizadora y comisaria en exposiciones de Pintura y Escultura. Ha dirigido y editado su propia revista cultural, así como libros, en varios volúmenes de colectivos de Artistas (Pintores y Escultores), y monográficos. Ha colaborado y colabora en crítica de Arte con varias publicaciones, entre ellas la revista Artyco, promovida y patrocinada por el Gobierno y la Universidad de Navarra, Cuenta y Razón, editada por la Fundación Fundes (Madrid), que presidía el filósofo ya desaparecido, D. Julián Marías (en papel), y en las revistas Magazine siglo XXI, Adamar, Minotauro, Lagonzo y Culturamas (digitales). Debido a su trabajo con los artistas plásticos, su nombre figura como autoridad en el Diccionario de Pintores y Escultores españoles.
